大家好，我是来自网易游戏艺术设计中心的音频设计师陈柏翰，今天想跟大家分享的主题是：手游领域中如何打造3A音频效果。

首先，3A的本质是什么？可以拆成三个部分来理解：高投入、高质量、高回报。

相对来说，高投入跟高回报都是相对客观的一个指标，可以透过数字和报表去衡量，但高质量则是非常主观的。因此，游戏音频（尤其是手游音频）质量的好坏标准就非常重要了。

其实，我认为手游音频到达60分之后，它的好坏是非常主观的，这样好像没什么好讨论的对吧？（笑）但实际上我们追求手游音频的3A更像是在追求一个目标，而不是追求3A的结果。

因此，我想分享我和团队这六年来从《阴阳师》到《哈利波特：魔法觉醒》的一些心路历程以及思考，透过这个思考来探索我们是否正在往手游3A的目标前进。

一开始，我就认为这是一个“见山是山”的过程，什么意思呢？打造一款手游音频，我们一开始探究的问题，肯定是手游音频应该追求什么？

那可以说手游音频就是要有打击感吗？或者说我们追求知名作曲家？还是说我们透过流量歌手、透过很棒的很高质量的管弦乐实录来去确保它的音频质量？甚至是我们透过很复杂的互动设置，或者是透过最新的引擎技术？

实际上，不论追求哪一个环节，我们是不是在追求一种安全感呢？透过这些标志性的追求来达到一种“手游音频是好的”的一种安全感。

所以，一开始我在爬这座3A音频目标大山时，就是“见山是山”的第一阶段，是一个现代化手游音频的开发过程。

首先，它是所见即所得的，任何该发出声音的地方都要发出声音。然后是声音引擎运用的流畅、整合以及高度的工业化分工。我认为，这是一种扎实的工业化流程，是达到60分手游音频开发的第一步。

接下来，走到半山腰时，是一个“见山不是山”的第二阶段。这个阶段最重要的就是手游音频的风格化，但风格化比较抽象，具体来说就是游戏该传达什么。因此，在这个阶段中，我们更多的是对于写意的追求。

举一个例子，就以《阴阳师》来说。在《阴阳师》设计的初期，我们打算打造一个极度风格化的游戏，因此从写实的追求转往写意的追求，不论是式神、角色、场景的设计，我们都更在意它背后的设定、故事以及它想传达给玩家的感受。

因此，我们透过很多日本传统乐器的拟音、录制、重新取样，融合到音效中，甚至融合到场音中。

对于战斗，我们也重新做了诠释。对正常的RPG战斗，我认为它是一种“角色出將入相登场”的概念，于是，我们将声音也往这个风格化的概念去做引导。

下面展示了《阴阳师》在UI上使用传统日式乐器融合音效的做法。我们将许多传统音乐的音效、乐器的乐音融入到音效中，同时也融入到场景中，如此会让整个游戏听觉更加整体化，也更贴合它的风格化核心。

还有刚刚提到的，我们将每一个角色的登场转化为一种“出將亮相”的概念，因此，在正常的角色音效中，我们也加入了许多形式上非写实的声音。同时，在技能中，我们也把乐音融合其中，让角色更加立体。

另外，在打击感的探讨上，其实我们不见得真的要用一致的音效标准来衡量打击感的好坏。所以在这个示例的视频中，我们使用了一种小型的打击乐器来代表打击。

通过上述例子，可以看出，我们是尝试着打造一个风格一致的高度风格化游戏——玩家一听就知道是《阴阳师》。

第三阶段：见山又是山

在《阴阳师》这个高度风格化的游戏后，陆陆续续有非常多很棒、很风格化的游戏登场，都是很不错的作品，我们也不断地思考接下来应该追求什么？具体来说，我们思考的是：除了追求风格化之外，是否能以更整体的角度，来去思考游戏音频的本质究竟是什么？

因此，在《哈利波特：魔法觉醒》中，我们尝试做了一种叫做“音频本质内化”的思考，去重新考量我们的方向及目标。

“见山又是山”的第三阶段，也就是音频本质的内化。我认为，这个阶段也分为两个部分：追求以及落地。

那追求是什么呢？在《哈利波特：魔法觉醒》这款游戏中我们追求三点：1. 专注玩家的感受；2. 强烈的魔法沉浸感；3. 游戏中的细节及IP。

我们更重视在这款游戏当中玩家感受的声音细节：他们是否感觉到尖叫度？是否感受到彩蛋带来的喜悦？是否能在场景当中感受到充分的魔法感？是否能在每一个细节中感受到它跟IP 、听觉跟IP的连接？

这其中，针对魔法感的部分是最值得探讨的，什么样的声音听起来是具有魔法感的呢？

实际上在《哈利波特：魔法觉醒》的世界里，是透过现实跟虚拟的冲突，来打造魔法感的。也就是说，如果整个游戏都充满了魔法类音效，玩家反而不会觉得这个游戏充满魔法感。因此，现实的积累和现实的声音反而是打造魔法感的关键，必须透过现实声音过载的细节，以及赋予每个声音背后的意义去让两者之间形成一种冲突。

在音频设计之初，我们引入了类似美术VI的概念。首先有三个必须避免的：1. 避免未来感、现代感以及电子感的声音；2. 机械跟电能的这两种很明显的元素要避免它同时出现；3. 避免市面上常出现的声音，不然容易让这个风格出戏。

同时，我们做了四个自我限制，其实也是制作每一个音频时都要问自己的问题：1. 这个声音是不是有其背后存在的原因？2. 这个声音它背后代表的含义究竟是什么？3. 这个声音它是否有超载的细节跟内容？4. 这个声音是否能带给玩家什么？

上面说的限制及规范，体现在我们的UI声音上。

其实前面有提到，我们通过现实声音跟魔法虚幻声音的冲突，创造出魔法感。因此，我们在现实的声音上做了很多超载的细节，通过模糊它的远近和视觉形成冲突（也就是说，这些声音通常是离得很近才听得到）。

考虑到玩家听到这些声音时的感受，我们也加入了许多彩蛋，希望通过彩蛋让整个游戏更加精彩，让玩家的尖叫度更高。

我们也特别注重IP的链结，通过某些声音来唤起玩家对于IP的情感。还有前面提到的，机械感的声音跟电流不能同时出现。

针对过载的细节，我们需要考虑每一个声音背后的意义，也就是说，不同的点击、不同的操作甚至是不同的文案描述，都应影响每一个声音的表达。

因此，当大部分声音都带有写实元素时，只要透过少部分的重点去营造出魔法感，整体的沉浸度就会提高。

即使是同样的操作、同样类型的物件，我们也会针对不同的文案设定甚至不同的风格内容做一些区别设计。

我们也站在玩家的角度出发，设计了许多针对玩家的互动，甚至有为了UGC营造社群的设计。

甚至是简单的UI操作中，我们都加入了非常多的彩蛋元素，比如每一个操作都会类似Roguelike游戏的概念，通过玩家的操作改变他们听到的声音。

还有一个比较经典的，游戏地图是2D，但我们用3D的方式让玩家感受到地图是充满魔法的：他们可以在平面地图中听到每一个细节的声音。

因此，针对不同的按钮、不同的反馈，声音一定要代表背后的含义，这也能加强视觉上的情绪渲染。

这就是我们最重要的第一个部分，也就是追求，“见山又是山”的“音频本质内化”这一思考中的追求是非常重要的。

然后我们来聊聊落地。

实际上，游戏音频是非常复杂的数位音频产业。因此，要完成我们追逐的3A手游音频目标，工业化的协作方式是没有办法避免的。

实际上，音频跟策划的合作、程序的合作以及文案的合作，关注重点都是不同的。

我们跟策划的合作，必须考量到玩法是否跟音频有良好的契合；跟程序的合作，要考虑到创新的声音功能在整合上的可行性；跟文案的合作，需要考量到各个文案的背后的含义、音频是否可以有较好的方式去诠释文字；与美术的合作，考虑的是如何透过声音将静态的视觉升华；跟营销的合作包含IP的拓展、玩家圈层的经营；跟QA的合作，则需考虑版本容量、排期控制。

如果没有办法顺利地把这些东西落地，再多的追求也没有用。因此，为什么说游戏音频是复杂的数位音频产业，这是非常重要的一部分原因。

当完成了“见山又是山”这一阶段后，我们实际上还要持续地思考音频能力的拓展，思考游戏音频究竟还能做一些什么。这个阶段的答案是：立足于玩法，拓展至IP。

我们通过音频的方式让每一个角色更加立体，让它的IP拓展更加宽广。从游戏的风格化，到对于本职的追求，到最后的工业化落地，这个过程中，游戏音频并不是独立存在的。

当我们手游音频往3A的方向走的时候，实际上最重要的是音频与游戏、用户之间的关联。因此，用户导向是决定音频质量的关键因素。

其实，我认为游戏应该是第九艺术，它应该存在内核想表达的东西，应该使人投入情感，应该使人有所体悟。

有些捷径不见得是最完美的道路，有些停留可能更是为了让你有更多、更重要的思考。希望所有热爱游戏、热爱游戏音频的伙伴，都能在这个产业中找到属于自己的那一座山。与大家共勉，谢谢！

视频版峰会回顾请戳：

陈柏翰：如何在手游的领域中，打造3A音频体验